GEORGE GROSZ "METRÓPOLIS"

George Grosz nació en Berlín el 26 de 1893, además de ser pintor también era un gran dibujante y caricaturista, su estilo era el expresionismo aunque también utilizaba recursos del cubismo y o el futurismo. Su obra se caracterizó por representar un profundo disgusto con la vida, esto aumento durante la primera guerra mundial, y por su rebeldía. Grosz pintaba cuadros en los que representaba en situaciones de sufrimiento a mutilados de guerra, asesinos, suicidas, hombres de negocios…Otros de sus temas favoritos para pintar en sus en sus cuadros eran las prostitutas, además Grosz fue de los primeros artistas en criticar a Hitler. Grosz no pretendía hacer buena pintura, sino representar en sus obras los problemas de su país, en 1932 tuvo que irse a Estados Unidos huyendo de los Nazis. Allí cambió su forma de pintar y empezó a representar sus pinturas al óleo con temas menos amargos que lo que trataba en Alemania dejando a un lado los temas políticos. Grosz murió el 6 de Julio de 1959 en Berlín.
Metrópolis es un cuadro que Grosz empezó a pintar en Diciembre de 1916, es un conjunto de gritos rojos sofocados, en el aparecen dos calles de una ciudad como su propio nombre indica, llenas de gentes, en las que todo el mundo va en la misma dirección, todas las personas de las dos calles se juntan en la esquina pero no llegan a mezclarse. He elegido este cuadro porque se aprecia muy bien como Grosz refleja la inseguridad producida en su país y en toda Europa por la primera guerra mundial. Este cuadro está realizado en óleo sobre lienzo con unas medidas de 100 por 102 centímetros y actualmente se encuentra expuesto en el museo Thyssen-Bornemisza.
La información ha salido de Antehistoria, de la ciudad de la pintura y de educathyssen.

JOAN MIRÓ "EL CARNAVAL DEL ARLEQUÍN"

Joan Miró nació en Barcelona el 20 de abril de 1893, estudió en la escuela de bellas artes y en la Academia Dalí. Su obra anterior a 1920 se caracterizaba por la mezcla de los estilos, como el fauvismo, el romanticismo y el cubismo, en este mismo año viajó a Paris, donde conoció a Picasso y donde se inició en un estilo surrealista basado en la memoria, la fantasía y lo irracional y en el que daba un punto de vista humorístico de lo que representaba en sus cuadros, normalmente sus pinturas iban sobre fondos neutros y planos.

En 1940 Miró volvió a España donde llevó una vida más tranquila y donde experimentó con otros medios artísticos como las obras pictóricas y las esculturas cerámicas.

Miró falleció el 25 de Diciembre de 1983 a las tres de la tarde.

El carnaval del arlequín, es un cuadro que miró pintó cuando estaba en París, en el año1925, está realizado en óleo sobre lienzo de 66 por 93 centímetros, actualmente la pintura se ecuentra en la Galería Albright-Knox en Nueva York.

Es una obra llena vida en el movimiento, trabajada con una técnica miniaturista y muy meticulosa en la que nos encontramos con un lenguaje de signo, como pueden ser la escalera, que reprsenta la huida, el globo que representa a la Tierra, una idea que obsesionaba a Miró, el triángulo negro representa la Torre Eiffel, el Arlequín, que aunque no sea el elemento más importante del cuadro, sabemos que es el protagonista por el titulo y el carnaval, que Miró lo utiliza para decir que las apariencias no son lo que parecen y que puenden transformarse en otra cosa.

He elegido está pintura de Miró porque es una de las que más representa su estilo surrealista y porque me gusta mucho la vida, el color que tiene, (en esta obra Miró utiliza sobre todo colores primarios) y el mensaje que quiere dar Miró con este cuadro. La información la he cogido de ciudad de la pintura, guía de la historia del arte y de observatorio de obras de arte.

DALÍ "PERSISTENCIA DE LA MEMORIA"

Salvador Dalí, era pintor y escultor, nació en Figueras el 11 de mayo de 1904 y es uno de los principales representantes del surrealismo, en sus obras resaltaba el papel del inconsciente en la actividad creadora y utilizó símbolos derivados de la psicología de Freud y de la experiencia de los sueños, para mostrar su propia realidad. Durante su estancia en Paris, Dalí conoció a Picasso y se unió al movimiento surrealista, durante este tiempo pintó imágenes cotidianas con formas muy sorprendes como es el caso de “La persistencia de la memoria”. La técnica de Dalí se caracteriza por lo meticulosa que era, por la perfección de los detalles y por el colorido brillante y luminoso que podemos apreciar en sus pinturas .Dalí murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.
El cuadro La persistencia de la memoria de Dalí, también se conoce como los relojes blandos, el paisaje que pinta es muy simple aparece el mar, una pequeña montaña a la derecha y tres relojes blandos y deformados. Uno de los relojes cuelga de la rama de un árbol, otro se encuentra sobre una cara con grandes pestañas inspirada en una roca y el último está apunto de deslizarse por un muro y sobre él hay una mosca. También aparece un reloj de bolsillo cubierto de hormigas y todos los relojes marcan la misma hora, entorno a las seis. Dalí dice de este cuadro que le sorprende, que nunca antes, a otro pintor se le ocurriera pintar un reloj blando.
Dalí pinto el cuadro en el año 1931, en óleo sobre lienzo y en un tamaño de 24 por 33 centímetros, actualmente se encuentra en el museo Modern Art de Nueva York y lo he elegido porque me parece que es muy adecuado para ver las características del estilo del surrealismo y de Dalí en concreto, ya que se aprecia claramente como hace de una imagen sencilla algo sorprendente y como está pintada con todos los detalles y con colores brillantes y luminosos. La información la he sacado de la ciudad de la pintura y de Foro Cualquiera pinturas de Dalí.

Juan Gris "Casas en Ceret"

Juan Gris era su pseudónimo, ya que su verdadero nombre era Juan José Victoriano González Pérez, nació en Madrid el 23 de Marzo de 1887, pero desarrolló la mayor parte de su actividad en París donde se pone en contacto con Pablo Picasso, quien en ese momento estaba investigando sobre el cubismo y quien lo introduce en este estilo.
Juan Gris se caracterizó por el uso de la técnica del collage y a pesar de su temprana muerte, en Francia el 11 de Mayo de 1927, a sus cuarenta años, fue el principal maestro del cubismo sintético. Al final de su vida utilizó, sobre todo, la técnica del gouache y de la acuarela.
En las casas en Ceret, Juan Gris vuelve al método de la superposición de planos diferenciados, acentuando la distinción cromática de las partes en relación y optando por dar transparencia a las intersecciones. De ello resulta un efecto de armoniosa suavidad y de integración lúdica en un espacio no unitario que las transiciones dominan.
He elegido este cuadro porque me parece muy adecuado para mostrar el estilo de Juan Gris, ya que podemos apreciar perfectamente el estilo cubista sintético que le caracterizaba y ademas, también podemos apreciar el uso de los collages que hacía. En esta obra el autor nos quiere mostrar el lugar donde pasaba sus vacaciones y para ello utiliza una amplia gama de colores que hace de la obra un cuadro muy alegre y divertido.
Gris empezó a pintar esta obra en 1913, está realizada en óleo sobre lienzo y mide 100 por 65 centímetros. Esta información la he sacado de artehistoria y de la ciudad de la pintura.

Mary Cassatt "Niños en le playa"

Mary Cassatt nació el 22 de Mayo de 1844, en Pennsylvania en una familia acomodada. Estudió en la universidad de bellas artes de Filadelfia, pero en 1866 decidió trasladarse a Francia.
Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas que la invitó a exhibir su trabajo junto a los impresionistas, que tres años atrás habían comenzado a exponer sus obras de forma rebelde e independiente, lo que la llevó a participar en varias de las exposiciones impresionistas.
Sus obras muestran influencias japonesas y los temas más representativos son las madres con sus hijos en situaciones cotidianas. Cassat murió en Paris el 14 de junio de 1926.
Niños en la playa es un cuadro de Cassatt en el que podemos ver, como en mucho de sus cuadros, a niños en situaciones cotidianas, este cuadro recoge una escena entrañable de unos niños jugando con la arena de la playa, en la que se puede apreciar la genialidad de Cassatt a la hora de pintar niños, una de las cosas más difíciles de la pintura. Una de las niñas lleva un sombreo de paja, por lo que no podemos verle la cara, mientras que la otra se encuentra más cerca y está llenando un cubo con arena. En el cuadro destaca la brillantez de la piel de las niñas, los mofletes rosados y los brazos enrojecidos, también destacan los efectos lumínicos resaltando las sombras, algo típico del impresionismo. En el fondo podemos apreciar el mar y varios veleros, que están mucho menos detallados, que las niñas y están realizados con pincelada rápida.
Este cuadro lo pintó Cassant en el año 1884 en óleo sobre lienzo y mide 97.6 por 74.2 centímetros. En la actualidad está expuesto en el museo Nacional Gallery en Washington.

Morisot "La Cuna"

Berthe Morisot nació en Francia el 14 de enero de 1841, en una familia de clase media acomodada y con grandes dotes para la pintura.
Cuando conoció a Manet siguió su ejemplo y este la impulsó a seguir con el movimiento impresionista, pero nunca fue su disputa ya que la influencia fue recíproca, porque Morisot fue la responsable de que Manet abandonará su sombría y aclarara su paleta. Morisot murió en París el 2 de marzo de 1885.
El cuadro que más me gusta de Morisot es “La Cuna” en el que representa a su hermana Edna Portillon velando el sueño de su hija Blanche.
El cuadro “la cuna” es el primero en el que Morisot representa la maternidad, cuyo tema repetirá varias veces más tarde, en él podemos observar la influencia de Manet. La composición del cuadro se basa en la diagonal formada por la mirada de la madre hacia su hija dormida y la tela de la cuna en que esta duerme, en el cuadro podemos ver como Morisot utilizo pocos colores y una picelada muy fluida para crear una sensación de intimidad, dulzura y amor protector.
Morisot pintó este cuadro en 1872 en óleo sobre tela y con un tamaño de 56 por 46 centímetros. Actualmente el cuadro se encuentra expuesto en el museo de Orsay en Paris.

Van Gogh "Viñedo Rojo"

Vincent Willem van Gogh nació en los Países Bajos es en 1853, fue uno de los principales exponentes del postimpresionismo, la persona más importante de su vida fue su hermano menor Theo, sabemos que esto es así porque existen una serie de cartas que Van Gogh envió a su hermano cuando él estaba en el sur de Francia y Theo estaba en Paris.
En un principio su obra se caracteriza por la influencia de los impresionistas y después por pintar paisajes rurales y escenas cotidiana, es entonces cuando empiza a utilizar la pincelada ondulante. En 1888 se va a vivir con él Gauguin con quien tenía muchas discusiones y en una de las cuales Van Gogh se corta una oreja, entonces se dieron cuenta de que estaba loco y lo llevaron a un manicomio, falleció el 29 de julio de 1890.
Viñedo Rojo es el único cuadro que consiguió vender Van Gogh durante su vida, mide 75 por 93 centímetros y actualmente se encuentra expuesto en el museo Pushkin en Moscú. El cuadro recoge el momento de la vendimia en un atardecer otoñal que envuelve en tonos rojizos el viñedo. Vincent ha sabido captar con esa gracia casi infantil que le caracteriza una escena de la vida cotidiana de la Provenza.
El efecto realista de la imagen es obtenido con una pincelada rápida y vibrante que se distingue perfectamente en el lienzo, esa pincelada se torna alrededor del sol, ejecutado en tonos blanquecinos. Las siluetas de los vendimiadores han sido resaltadas con una línea más oscura. El interés de Van Gogh por captar la luz de cada momento es una herencia del Impresionismo, por lo que nos muestra los reflejos de la luz del sol en el camino y las sombras en el horizonte.

La información para este cuadro la cogí de wikipedia y de artehistoria y me decidí por él, porque es uno de los cuadros que más me gusta de Van Gogh y porque se puede apreciar bastante bien el estilo artístico del pintor y la pincelada ondulante que le caracterizaba.