MEL RAMOS "LOLA-COLA"

Mel Ramos es un pintor estadounidense que nació en California en 1935, fue uno de los miembros del arte pop norteamericano de los años sesenta. En sus inicios se vio influido por Kooning y poco después por el arte abstracto que era la corriente que estaba de moda en ese momento.
En 1960 empieza a pintar los personajes de comics que leía de joven y a mediados de los sesenta empieza ha crear los dibujos publicitarios de diferentes marcas muy famosa como kellogs o coca-cola y es así uno de los primeros pintores actuales que incluye publicidad en sus obras.
Una de sus obras más conocidas es Lola-cola, en este cuadro podemos observar a una mujer desnuda subida en una botella de coca-cola y por detrás el símbolo de esta marca, pero no es la única marca para la que ha trabajado Ramos, lo suele hacer habitualmente, y en la mayoría de ellas aparecen mujeres desnudas.
He elegido a Mel Ramos, porque es uno de los representantes del pop art y porque me gustó que fuera un pintor actual, del que conociéramos algunas de sus obras y que podamos ver sus trabajos en diferentes barcas publicitaria, ya que me parece una forma muy ingeniosa de dar a conocer su arte.
La información la he sacado de wikipedia y de un blog que se llama Mel Ramos.

ANTONIO SAURA "AUTO DE FE"

Antonio Saura es un pintor español, nacido en Huesca el 22 de Septiembre de 1930. En 1943 le descubren tuberculosis y tienen que operarlo en varias ocasiones, estas operaciones le mantienen inmóvil durante cinco años, años que aprovecha para convertirse autodidacta y empezar a pintar y a escribir e inicia su camino para convertirse en uno de los mejores representantes del expresionismo abstracto español.
En 1952 se traslada a Paris donde se inicia en el surrealismo, pero en su vuelta a España abandona este tema y crea el grupo conocido como “el Paso”, que se caracteriza por su ideología antifranquista y por su interés, sobre la obra de Picasso y de Miró, además de por usar muy pocos colores y repetir mucho la temática.
En 1982 le dieron la medalla de oro de bellas artes y en 1984 inició una serie de pinturas muy curiosa, ya que estaban realizadas sobre cubiertas de libros, se titulaban “Auto de Fe”
Finalmente Antonio Saura muere en Cuenca el 22 de Julio de 1998.
La imagen que podemos observar al principio es uno de los autos de fe que pintó Saura en 1986, está realizado en técnica mixta sobre cartón y en unas mediadas 28.7 por 47.3 centímetros.
He elegido a Antonio Saura porque es uno de los principales representantes españoles de expresionismo abstracto y porque me ha parecido muy creativa la idea de pintar sobre pasta de libros que utilizó en su serie “autos de fe”.
La información la he extraído de “ciudad de la pintura” y de la página Web oficial de Antonio Saura.

MARC ROTHKO

Marc Rothko es un pintor que nació en Dvinsk (Rusia) en 1903 y que en 1913 emigró a Estados Unidos. El estilo de Rothko es el impresionismo abstracto, que es una pintura calmada basada en el color. En los años treinta perteneció al expresionista estadounidense, en los años cuarenta empezó a basarse más en las formas surrealistas y en los años cincuenta abandonó totalmente las formas para centrarse únicamente al color. Rothko representaba sus obras sobre telas enormes ya que pensaba que pintar sobre un caballete un cuadro pequeño te colocaba fuera tus experiencias, mientras que un cuadro grande hacia que pudieras meterte en él. A finales de los años sesenta Rothko entro en una depresión y en 1970 se suicidó en Nueva York.
En sus cuadros Rothko emplea multiformas e introduce a la pintura en los campos del color más representativos del expresionismo abstracto norteamericano. Las obras de Rothko se caracterizan por tener dos o tres bandas de colores, que normalmente están en horizontal y que dan la sensación de que estuvieran flotando en el vació.
La mayoría de las obras de este pintor no tienen titulo, la que aparece al principio la pintó en 1946 y yo la he elegido porque me llamó mucho la atención sus dimensiones, ya que son de 228 por 268 centímetros. También es ese el motivo por el que he decidido hablar de este pintor, ya que me gusta mucho su idea de pintar cuadros enormes para tener la sensación de estar dentro de ellos y de que los cuadros te puedan atrapar.
La información la he obtenido, en su mayoría, de antehistoria, ciudad de la pintura y scribd.

BOTERO "LA CASA DE AMANDA RAMÍREZ"

Fernando Botero es un pintor y escultor colombiano nacido en Medellín el 19 de abril de 1932. En Colombia trabajaba de ilustrador, hasta que en 1950 se traslada a vivir a Madrid, donde empieza a asistir a la escuela de bellas artes. Botero tiene su propio estilo que consiste en aumentar el volumen de las personas, animales y cosas que representa en sus obras, creando cuadros obesos, esta técnica la descubrió cuando estaba pintando su obra “Bodegón con Mandolina”. En su cuadro “La familia Pinzón” podemos observar un estilo más maduro, pero sus formas exageradas no solo las podemos encontrar en sus cuadros sino que también las lleva acabo en esculturas. Desde 1972 Botero reside en Paris, pero no ha dejado de viajar por todo el mundo exponiendo sus obras por los museos y galerías más importantes.
Botero trataba diferentes temas entre los que se encuentra la prostitución, uno de sus cuadros relacionados con ese tema es “La casa de Amanda Ramírez”, en cuya obra podemos observar una habitación de un burdel, en la que aparece un hombre con una mujer desnuda sobre su hombro, detrás aparece una pareja manteniendo relaciones sexuales y una mujer que los observa.
He elegido a Botero porque me parece que es un pintor con un estilo muy particular, que me llama mucho la atención y que me parece muy interesante, además de entre todos sus cuadros me gusto este porque trata con mucha naturalidad la prostitución y todo lo que está relacionado con ella.
La información sobre esta artista y su obra la he conseguido de antehistoria, artelatino y museo de Antioquia.

ANDY WARHOL

Andy Warhol nació en Pittsburg en 1928. Warhol en 1960 empieza a pintar y en 1962 hace las primeras serigrafías en tela con Botes de sopa desde este año hasta 1964 se dedicá a la pintura catastrofista, poco después pasa a los mitos, su técnica consiste en coger imágenes ya existentes, ampliarlas y añadirles algunas modificaciones, sobre todo en colores, pero muy pocas, algunos de los mitos a los que Warhol representó en sus obras son Elvis y Marilyn Monroe. Warhol cuando representa a estos personajes lo hace con una gran frialdad y uniformidad, es tanta la frialdad que siente Andy que pinta con la misma distancia a Elvis que a una silla eléctrica. Andy Warhol murió en Nueva York en 1987.
La imagen de Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol tiene un estilo Pop Art. Este cuadro se ha convertido en un icono de la modernidad gracias a la particular estética que tiene, ya que no se trata de imitar con exactitud al artista sino, mas bien, dar un toque gracioso a una foto algo apagada.
A mi personalmente me gusta mucho el estilo de pintura de Warhol, ya que me parece una forma muy curiosa de darle alegría a una foto o imagen que pueda ser algo triste, además también me parece muy bien que lo haga de imágenes de personas famosas, porque como la gente conoce a esas personas les llama más la atención esos cuadros, lo que no me gusta mucho es que trate con la misma frialdad a una persona que a una lata, aunque eso también le da un toque personal y único a su obra.
La información sobre Warhol y sobre su obra la he sacado de diferentes páginas de internet, pero en su mayoría lo he sacado de “artehistoria” y de “ciudad de la pintura”.

MARC CHAGALL "EL VIOLINISTA AZUL"

Marc Chagall, pintor y diseñador francés de origen ruso y de religión judía nació el 7 de Julio de 1887. Su estilo se caracteriza por un uso peculiar del color y de las formas derivadas del expresionismo ruso y del cubismo francés, sus obras destacan por la representación de temas de tradición judías, campesinos, escenas de las pequeñas aldeas rusas..., donde mezcla el recuerdo con la fantasía. También se caracterizan por transmitir un gran optimismo y por la gran cantidad de referencias que hace a su niñez. Chagall también destacó como ilustrador gráfico, por terminar de pintar los techos de la ópera de Paris y por realizar varia estenografías para el Teatro Estatal Ruso.
Durante su estancia en París conoció a muchos de los intelectuales de la vanguardia pero nunca formo parte de ninguno de estos movimientos, sin embrago, si que se incluyo en las vanguardias parisinas posteriores a la guerra mundial. Chagall murió el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia.
He elegido a Chagall porque me gusta mucho su historia, porque es muy representativa de las historias que tenían la gente de su época y de su país, además me llama mucho la atención su forma de destacar sus recuerdos de la niñez y el optimismo y colorido que podemos encontrar en sus cuadros, pero a pesar de ello he tenido mucha dificultad para encontrar obras suyas y descripciones de sus cuadros, de los cuales para mi el más bonito es el violinista azul, ya que utiliza mi color preferido.
La información sobre este pintor la he sacado de la ciudad de la pintura, de antehistoria y de wikipedia.

MARCEL DUCHAMP "EL ÁNGEL CAIDO"

El frances, Marcel Duchamp nació en Blainville en 1887. En su primera, desde 1908 hasta 1912, Duchamp se caracterizó por hacer referencia al impresionismo, fauvismo, cubismo y futurismo. Podemos considerar como su siguiente perido desde 1915 hasta 1923, en el que abandonó un poco la pintura, sus obras de aquel entonces se caracterizan por plantear polémica e ironía y por la aparición de objetos cotidianos ya realizados.
Duchamp puso su firma a los conocidos como ready-made, que eran obras de artes sacadas de contesto como es el caso de “La mona lisa”. Fue percusor de esta serie de conceptos de arte, que más tarde se verá en el arte conceptual.
Finalmente Marcel Duchamp fallecerá en Neully en 1968.
El ángel caído es una de la sobras más famosas de decampa, en esta pintura representa ala famosa Gioconda de Davinci, pero lo hace pintando a la mona lisa con perilla y bigote,
El titulo de la obra es L.H.O.O.Q. que traducido al castellano significa ella tiene el culo caliente. Según el propio Duchamp, cundo miramos hasta peculiar mona lisa con perilla y bigote podemos observar a un hombre de verdad y no a una mujer disfrazada de hombre.
Este cuadro se pintó en 1919 y es uno de los actos más conocidos de trabajo degradante de obras artes famosas.
He elegido esta obra de Duchamp porque me llamó mucho la atención que se considerara arte una pintura que lo que pretende es burlar a otra obra de arte.
La información sobre este pintor y sobre sus obras la he sacado de artehistoria.com y de elangelcaido. org

GEORGE GROSZ "METRÓPOLIS"

George Grosz nació en Berlín el 26 de 1893, además de ser pintor también era un gran dibujante y caricaturista, su estilo era el expresionismo aunque también utilizaba recursos del cubismo y o el futurismo. Su obra se caracterizó por representar un profundo disgusto con la vida, esto aumento durante la primera guerra mundial, y por su rebeldía. Grosz pintaba cuadros en los que representaba en situaciones de sufrimiento a mutilados de guerra, asesinos, suicidas, hombres de negocios…Otros de sus temas favoritos para pintar en sus en sus cuadros eran las prostitutas, además Grosz fue de los primeros artistas en criticar a Hitler. Grosz no pretendía hacer buena pintura, sino representar en sus obras los problemas de su país, en 1932 tuvo que irse a Estados Unidos huyendo de los Nazis. Allí cambió su forma de pintar y empezó a representar sus pinturas al óleo con temas menos amargos que lo que trataba en Alemania dejando a un lado los temas políticos. Grosz murió el 6 de Julio de 1959 en Berlín.
Metrópolis es un cuadro que Grosz empezó a pintar en Diciembre de 1916, es un conjunto de gritos rojos sofocados, en el aparecen dos calles de una ciudad como su propio nombre indica, llenas de gentes, en las que todo el mundo va en la misma dirección, todas las personas de las dos calles se juntan en la esquina pero no llegan a mezclarse. He elegido este cuadro porque se aprecia muy bien como Grosz refleja la inseguridad producida en su país y en toda Europa por la primera guerra mundial. Este cuadro está realizado en óleo sobre lienzo con unas medidas de 100 por 102 centímetros y actualmente se encuentra expuesto en el museo Thyssen-Bornemisza.
La información ha salido de Antehistoria, de la ciudad de la pintura y de educathyssen.

JOAN MIRÓ "EL CARNAVAL DEL ARLEQUÍN"

Joan Miró nació en Barcelona el 20 de abril de 1893, estudió en la escuela de bellas artes y en la Academia Dalí. Su obra anterior a 1920 se caracterizaba por la mezcla de los estilos, como el fauvismo, el romanticismo y el cubismo, en este mismo año viajó a Paris, donde conoció a Picasso y donde se inició en un estilo surrealista basado en la memoria, la fantasía y lo irracional y en el que daba un punto de vista humorístico de lo que representaba en sus cuadros, normalmente sus pinturas iban sobre fondos neutros y planos.

En 1940 Miró volvió a España donde llevó una vida más tranquila y donde experimentó con otros medios artísticos como las obras pictóricas y las esculturas cerámicas.

Miró falleció el 25 de Diciembre de 1983 a las tres de la tarde.

El carnaval del arlequín, es un cuadro que miró pintó cuando estaba en París, en el año1925, está realizado en óleo sobre lienzo de 66 por 93 centímetros, actualmente la pintura se ecuentra en la Galería Albright-Knox en Nueva York.

Es una obra llena vida en el movimiento, trabajada con una técnica miniaturista y muy meticulosa en la que nos encontramos con un lenguaje de signo, como pueden ser la escalera, que reprsenta la huida, el globo que representa a la Tierra, una idea que obsesionaba a Miró, el triángulo negro representa la Torre Eiffel, el Arlequín, que aunque no sea el elemento más importante del cuadro, sabemos que es el protagonista por el titulo y el carnaval, que Miró lo utiliza para decir que las apariencias no son lo que parecen y que puenden transformarse en otra cosa.

He elegido está pintura de Miró porque es una de las que más representa su estilo surrealista y porque me gusta mucho la vida, el color que tiene, (en esta obra Miró utiliza sobre todo colores primarios) y el mensaje que quiere dar Miró con este cuadro. La información la he cogido de ciudad de la pintura, guía de la historia del arte y de observatorio de obras de arte.

DALÍ "PERSISTENCIA DE LA MEMORIA"

Salvador Dalí, era pintor y escultor, nació en Figueras el 11 de mayo de 1904 y es uno de los principales representantes del surrealismo, en sus obras resaltaba el papel del inconsciente en la actividad creadora y utilizó símbolos derivados de la psicología de Freud y de la experiencia de los sueños, para mostrar su propia realidad. Durante su estancia en Paris, Dalí conoció a Picasso y se unió al movimiento surrealista, durante este tiempo pintó imágenes cotidianas con formas muy sorprendes como es el caso de “La persistencia de la memoria”. La técnica de Dalí se caracteriza por lo meticulosa que era, por la perfección de los detalles y por el colorido brillante y luminoso que podemos apreciar en sus pinturas .Dalí murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.
El cuadro La persistencia de la memoria de Dalí, también se conoce como los relojes blandos, el paisaje que pinta es muy simple aparece el mar, una pequeña montaña a la derecha y tres relojes blandos y deformados. Uno de los relojes cuelga de la rama de un árbol, otro se encuentra sobre una cara con grandes pestañas inspirada en una roca y el último está apunto de deslizarse por un muro y sobre él hay una mosca. También aparece un reloj de bolsillo cubierto de hormigas y todos los relojes marcan la misma hora, entorno a las seis. Dalí dice de este cuadro que le sorprende, que nunca antes, a otro pintor se le ocurriera pintar un reloj blando.
Dalí pinto el cuadro en el año 1931, en óleo sobre lienzo y en un tamaño de 24 por 33 centímetros, actualmente se encuentra en el museo Modern Art de Nueva York y lo he elegido porque me parece que es muy adecuado para ver las características del estilo del surrealismo y de Dalí en concreto, ya que se aprecia claramente como hace de una imagen sencilla algo sorprendente y como está pintada con todos los detalles y con colores brillantes y luminosos. La información la he sacado de la ciudad de la pintura y de Foro Cualquiera pinturas de Dalí.

Juan Gris "Casas en Ceret"

Juan Gris era su pseudónimo, ya que su verdadero nombre era Juan José Victoriano González Pérez, nació en Madrid el 23 de Marzo de 1887, pero desarrolló la mayor parte de su actividad en París donde se pone en contacto con Pablo Picasso, quien en ese momento estaba investigando sobre el cubismo y quien lo introduce en este estilo.
Juan Gris se caracterizó por el uso de la técnica del collage y a pesar de su temprana muerte, en Francia el 11 de Mayo de 1927, a sus cuarenta años, fue el principal maestro del cubismo sintético. Al final de su vida utilizó, sobre todo, la técnica del gouache y de la acuarela.
En las casas en Ceret, Juan Gris vuelve al método de la superposición de planos diferenciados, acentuando la distinción cromática de las partes en relación y optando por dar transparencia a las intersecciones. De ello resulta un efecto de armoniosa suavidad y de integración lúdica en un espacio no unitario que las transiciones dominan.
He elegido este cuadro porque me parece muy adecuado para mostrar el estilo de Juan Gris, ya que podemos apreciar perfectamente el estilo cubista sintético que le caracterizaba y ademas, también podemos apreciar el uso de los collages que hacía. En esta obra el autor nos quiere mostrar el lugar donde pasaba sus vacaciones y para ello utiliza una amplia gama de colores que hace de la obra un cuadro muy alegre y divertido.
Gris empezó a pintar esta obra en 1913, está realizada en óleo sobre lienzo y mide 100 por 65 centímetros. Esta información la he sacado de artehistoria y de la ciudad de la pintura.

Mary Cassatt "Niños en le playa"

Mary Cassatt nació el 22 de Mayo de 1844, en Pennsylvania en una familia acomodada. Estudió en la universidad de bellas artes de Filadelfia, pero en 1866 decidió trasladarse a Francia.
Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas que la invitó a exhibir su trabajo junto a los impresionistas, que tres años atrás habían comenzado a exponer sus obras de forma rebelde e independiente, lo que la llevó a participar en varias de las exposiciones impresionistas.
Sus obras muestran influencias japonesas y los temas más representativos son las madres con sus hijos en situaciones cotidianas. Cassat murió en Paris el 14 de junio de 1926.
Niños en la playa es un cuadro de Cassatt en el que podemos ver, como en mucho de sus cuadros, a niños en situaciones cotidianas, este cuadro recoge una escena entrañable de unos niños jugando con la arena de la playa, en la que se puede apreciar la genialidad de Cassatt a la hora de pintar niños, una de las cosas más difíciles de la pintura. Una de las niñas lleva un sombreo de paja, por lo que no podemos verle la cara, mientras que la otra se encuentra más cerca y está llenando un cubo con arena. En el cuadro destaca la brillantez de la piel de las niñas, los mofletes rosados y los brazos enrojecidos, también destacan los efectos lumínicos resaltando las sombras, algo típico del impresionismo. En el fondo podemos apreciar el mar y varios veleros, que están mucho menos detallados, que las niñas y están realizados con pincelada rápida.
Este cuadro lo pintó Cassant en el año 1884 en óleo sobre lienzo y mide 97.6 por 74.2 centímetros. En la actualidad está expuesto en el museo Nacional Gallery en Washington.

Morisot "La Cuna"

Berthe Morisot nació en Francia el 14 de enero de 1841, en una familia de clase media acomodada y con grandes dotes para la pintura.
Cuando conoció a Manet siguió su ejemplo y este la impulsó a seguir con el movimiento impresionista, pero nunca fue su disputa ya que la influencia fue recíproca, porque Morisot fue la responsable de que Manet abandonará su sombría y aclarara su paleta. Morisot murió en París el 2 de marzo de 1885.
El cuadro que más me gusta de Morisot es “La Cuna” en el que representa a su hermana Edna Portillon velando el sueño de su hija Blanche.
El cuadro “la cuna” es el primero en el que Morisot representa la maternidad, cuyo tema repetirá varias veces más tarde, en él podemos observar la influencia de Manet. La composición del cuadro se basa en la diagonal formada por la mirada de la madre hacia su hija dormida y la tela de la cuna en que esta duerme, en el cuadro podemos ver como Morisot utilizo pocos colores y una picelada muy fluida para crear una sensación de intimidad, dulzura y amor protector.
Morisot pintó este cuadro en 1872 en óleo sobre tela y con un tamaño de 56 por 46 centímetros. Actualmente el cuadro se encuentra expuesto en el museo de Orsay en Paris.

Van Gogh "Viñedo Rojo"

Vincent Willem van Gogh nació en los Países Bajos es en 1853, fue uno de los principales exponentes del postimpresionismo, la persona más importante de su vida fue su hermano menor Theo, sabemos que esto es así porque existen una serie de cartas que Van Gogh envió a su hermano cuando él estaba en el sur de Francia y Theo estaba en Paris.
En un principio su obra se caracteriza por la influencia de los impresionistas y después por pintar paisajes rurales y escenas cotidiana, es entonces cuando empiza a utilizar la pincelada ondulante. En 1888 se va a vivir con él Gauguin con quien tenía muchas discusiones y en una de las cuales Van Gogh se corta una oreja, entonces se dieron cuenta de que estaba loco y lo llevaron a un manicomio, falleció el 29 de julio de 1890.
Viñedo Rojo es el único cuadro que consiguió vender Van Gogh durante su vida, mide 75 por 93 centímetros y actualmente se encuentra expuesto en el museo Pushkin en Moscú. El cuadro recoge el momento de la vendimia en un atardecer otoñal que envuelve en tonos rojizos el viñedo. Vincent ha sabido captar con esa gracia casi infantil que le caracteriza una escena de la vida cotidiana de la Provenza.
El efecto realista de la imagen es obtenido con una pincelada rápida y vibrante que se distingue perfectamente en el lienzo, esa pincelada se torna alrededor del sol, ejecutado en tonos blanquecinos. Las siluetas de los vendimiadores han sido resaltadas con una línea más oscura. El interés de Van Gogh por captar la luz de cada momento es una herencia del Impresionismo, por lo que nos muestra los reflejos de la luz del sol en el camino y las sombras en el horizonte.

La información para este cuadro la cogí de wikipedia y de artehistoria y me decidí por él, porque es uno de los cuadros que más me gusta de Van Gogh y porque se puede apreciar bastante bien el estilo artístico del pintor y la pincelada ondulante que le caracterizaba.

PABLO PICASSO "GUERNICA"

Guernica es el cuadro más famoso de Pablo Diego José Ruiz Picasso (Pablo Picasso), un pintor que nació en Málaga el 25 de Octubre de 1881. Su estilo iba muy relacionado con su estado de animo y con la situación en la que se encontrara, aunque su principal estilo era el cubismo, que presenta los objetos y las figuras desde distintos ángulos, lo que distorsiona la realidad, este estilo lo inicio Picasso, que además también paso por distintos periodos, como son, el periodo azul y el periodo rosa. En el cuadro “Guernica” podemos apreciar este estilo. El cuadro que esta realizado en óleo sobre lienzo y mide 777 centímetros por 349 centímetros, trata sobre el bombardeo de Guernica, que tuvo lugar el 27 de Abril de 1937, durante la Guerra Civil Española. Este cuadro se lo encargaron a Picasso para denunciar los hechos ya que el motivo de lo ocurrido fue probar en fuego real los nuevos aviones y armamentos ya que se avecinaba la segunda guerra mundial. Picasso murió en en Francia el 8 de Abril de 1973, en la actualidad su cuadro se encuentra expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.
He elegido este cuadro, por su autor, porque me parece un gran pintor y porque ha sido muy importante para la pintura española, quizás el mayor representante, y entre todos sus cuadros elegi este porque es su cuadro más importante y el que más me gusta a mi.

MILLET "LAS ESPIGADORAS"

Jean-François Millet, nació en la aldea Gruchy, municipio de Gréville-Hague, Normandía el 4 de Octubre de 1814, pero se mudó a Paris en 1839. Fue un pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizón en la Francia rural. Destacó por sus escenas de campesinos y granjeros, entre las cuales destaca “Las espigadoras”, un cuadro que presenta a tres mujeres en plena faena, agachadas para recoger las espigas; son mujeres de carne y hueso, ataviadas con los ropajes de la región de Normandía donde el pintor vivía. Al fondo contemplamos los almiares y la carga de la carreta, en un ambiente de atardecer que envuelve toda la escena. Quizás ese efecto lumínico haga enlazar a Millet con el Impresionismo, aunque el artista no se interese aún por ese tipo de conceptos ya que su deseo es criticar las duras condiciones de las espigadoras. El cuadro está realizado en oleo sobre lienzo de 83 por 110 centímetros realizado en 1857 y que se encuentra expuesto en el museo de Orsay en Francia.
Millet es un hombre de extracción humilde, que pasará toda la vida sumido en la pobreza, pintando a la gente que le rodea por lo que es considerado uno de los artífices del Realismo, ya que sus cuadros se caracterizan por su capacidad de observación, por su deseo de ser objetivo y plasmar la realidad tal como es y por la dedicación a temas de su propia época y que reflejan escenas de su vida cotidiana.
La información de Millet y del cuadro de “Las espigadoras ha sido sacada de wikipedia y de artehistoria.

David "El juramento de los Horacios"

Es un cuadro del pintor neoclásico francés Jaques-Louis David. Esta obra fue realiza en 1784 en óleo sobre lienzo y se encuentra expuesta en el museo del Louvre en Francia.
Podrían decirse infinitas cosas acerca de este lienzo, tal vez uno de los más famosos de su autor, junto con la Muerte de Marat. Representa todo un hito en la historia del arte francés y suele ponerse como ejemplo de la pintura neoclásica. Los dos referentes inmediatos para la obra son el teatro de Cornaille y la pintura de Poussin. El teatro había sido renovado en Francia como escuela de costumbres y moralidad. Los temas se extraían de la antigüedad, con historias edificantes que renovaran la corrupta sociedad del Antiguo Régimen. Debemos tener presente que la Revolución Francesa tendría lugar tan sólo cinco años después. Por otro lado, Poussin, artista del siglo XVII, era tenido por la generación neoclásica como el gran modelo de lo que debía ser la pintura: basada en el dibujo, en la perfección de la línea, con luz homogénea y blanca, con composiciones equilibradas sobre estructuras geométricas... Estas técnicas son las que traduce a un lenguaje moderno el propio David. Ya en el cuadro dedicado a Belisario veíamos cómo el joven artista anticipaba el rigor de una obra teatral al ritmo narrativo de un cuadro. Pero es en el Juramento de los Horacios donde alcanza un mayor relieve la doble estructura: unidad de lugar, tiempo e historia por un lado, por otro, reparto en tres actos de la narración. Estos tres actos o momentos están marcados físicamente por los grupos de personajes y por los tres arcos de la arquitectura de fondo. La historia se remite al origen legendario de Roma, que está en lucha con la ciudad de Alba, en el siglo VII a.C. La guerra será resuelta mediante el combate singular de tres campeones romanos y tres campeones albanos. Los designados son los tres hermanos de la familia de Horacio, por la parte romana, y los tres hermanos de los Curiati, por parte de Alba. Sin embargo, el caso está complicado por el hecho de que estas dos familias están ligadas por sendos matrimonios: una hermana de los Horacios con un hermano de los Curiati, y viceversa. Así pues, los tres momentos resumen en primer lugar, la declaración de guerra de los tres hermanos, el juramento de fidelidad a Roma que les toma su padre sobre las espadas que llevarán a la lucha, y la desesperación de las mujeres, que se apartan del ritmo histórico para llorar en su privacidad. La pintura neoclásica tiene por norma diferenciar el espacio masculino y el femenino. El masculino es el espacio público, el de la guerra o el trabajo. El espacio femenino será siempre el hogar, la intimidad, y sus labores llorar a los héroes muertos o realizar las tareas domésticas.

DELACROIX "LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO"

El tema de la obra es la insurrección parisina que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de 1830(denominadas «las Tres jornadas gloriosas»). Es una de las revoluciones burguesas, y más concretamente la que puso fin al terror blanco tras los dieciséis años de restaurada la monarquía borbónica, encarnada en el ultraconservador de Carlos X, que fue expulsado del trono y sustituido por Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey Burgués, con lo que se consumó el acceso al poder de la burguesía liberal, aunque no se instauró la república.
La revuelta se inició el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que restringían libertades ciudadanas. En esa noche jóvenes republicanos se pusieron al frente de la insurrección y ya de día se elevaron barricadas (de hecho al cuadro se le conoce también como La Barricada). El día 29 los revolucionarios eran dueños de la ciudad. La revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional (como los belgas sublevados contra los holandeses), en varios países europeos.
Según G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este mismo autor, estaba ligada indisolublemente en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. Hemos de recordar que la lucha por la libertad y por la nación (el nacionalismo) es una constante en los románticos. El mismo autor trata idéntico tema en otras obras como La matanza de Quíos y Grecia sobre las ruinas de Missolonghi, cuadro éste último en el que la nación aparece igualmente representada por una mujer -en este caso con el pecho sin descubrir totalmente- y que además refleja un episodio de la lucha del pueblo griego por su liberación del yugo turco, en el que pereció –colaborando con el bando griego- el gran poeta romántico Lord Byron.
En el cuadro aparecen jóvenes, adultos, clase obrera, burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que, como ya se ha dicho, en este caso se identifica también con Francia y es representada como una mujer empuñando un fusil de la época y con el pecho al descubierto, hecho este último que escandalizó a críticos y a parte de la sociedad de la época. Entre los muertos del primer plano (abajo, a la derecha del espectador) aparecen también soldados leales a Carlos X.

El tres de Mayo de 1808 en Madrid de Francisco de Goya

El tres de mayo de 1808 en Madrid (también conocido como Los fusilamientos en la montaña del principe Pio o Los fusilamientos del tres de mayo es un cuadro del pintor aragonés Francisco de Goya (1746-1838) completado en 1914 que se conserva en el Museo del Prado en Madrid (España). La intención de Goya al elaborarlo era plasmar la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco del Levantamiento del dos de Mayo, al inicio de la Guerra de la Independiencia Española. Su pareja es El dos de Mayo de 1808 en Madrid —también llamada La carga de los mamelucos—. Ambos cuadros son de la misma época y corriente artística. Su técnica y cromatismos propios del Goya maduro. Goya sugirió el encargo de estos cuadros de gran formato a la regencia liberal de Luis María de Borbon y Vallabriga, antes de la llegada del rey Fernando VII. Incluso se dice que adornaron un arco del triunfo dedicado al rey en la Puerta de Alcalá. La intención de Goya para hacer estos cuadros queda plasmada en una carta autógrafa del aragonés, donde escribe:
Siento ardientes deseos de perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa.
Es un cuadro de estilo romantico realizaodo en oleo sobre lienzo y con una pintura es oscura, que muestra imágenes fuertes y crea el arquetipo del horror en la pintura española, que Goya aprovechó en esa época para sus aguafuertes titulados "Los desastres de la guerra".

GERICAULT "LA BALSA DE LA MEDUSA"

La historia del barco francés "Medusa" fue uno de los sucesos más espeluznantes de Francia. El barco naufragó frente a las costas africanas y un pequeño grupo de los pasajeros sobrevivió gracias a una balsa. En mitad del mar, un barco de la marina francesa avistó a los náufragos pero no los recogió. Los supervivientes fueron presas del hambre, la sed, la insolación y las enfermedades. Murieron muchos y el resto sobrevivió comiendo los restos de los cadáveres. Finalmente, un carguero los encontró y devolvió a Francia. Su historia fue censurada por el gobierno, que impidió que se conociera en la prensa. Géricault realizó este cuadro para dar a conocer el hecho, y tras dos años en que se prohibió que lo expusiera la público, finalmente se ofreció al Salón Oficial y causó un tremendo escándalo social. Géricault planteó un cuadro de casi cinco metros de alto y más de siete metros de ancho. Hizo numerosos bocetos y estudios previos sobre cadáveres y restos humanos sacados de cementerios y ejecuciones públicas. La escena recoge el momento en que los náufragos avistan la fragata que no los recogerá. Los personajes componen toda una galería de las expresiones posibles, desde la desesperación más absoluta del anciano que da la espalda al barco, pasando por los primeros atisbos de la esperanza hasta llegar al entusiasmo desbordado de los hombres que agitan sus camisas al horizonte. La visión es completamente dantesca, con la balsa medio deshecha por el oleaje, los cuerpos de los muertos, putrefactos, mutilados, desperdigados por la balsa... Como dato curioso señalaremos que el joven hombre muerto que sostiene el anciano del manto rojo es el retrato de De Lacroix, íntimo amigo de Géricault. A su vez, De Lacroix le correspondió retratando a Géricault como uno de los muertos en el infierno que cruza su Barca de Dante. La Balsa de la Medusa fue el cuadro insignia del movimiento romántico francés, por su tono apasionado y tétrico, con el hombre desconocido como protagonista absoluto de la historia.
El autor de este cuadro es Theodore Géricault, es un cuadro de estilo romántico francés, hecho de óleo sobre lienzo y que se encuentra expuesto en el museo nacional del Louvre en Francia. Lo elegido porque en ética habíamos tratado sobre este tema y me gusto bastante, así que he decidido hablar de el para conocer más a fondo la historia y saber porque Géricault pintó a cerca de este tema.